Drame

Nous expliquons ce qu’est le genre dramatique, ses éléments, ses sous-genres et ses caractéristiques. Aussi, comment est la structure de l’œuvre dramatique.

Quel est le genre dramatique ?

En art et en littérature , quand on parle de genre dramatique, on entend le genre théâtral, aussi appelé drame (du grec drame , « action » ou « agir »). C’est un genre qui se caractérise par la représentation de situations par le dialogue et les actions des personnages , soit dans le texte écrit (le « scénario » théâtral, soit dans une représentation scénique (la « mise en scène » théâtrale).

Cependant, contrairement à d’autres genres littéraires et narratifs, les événements du genre dramatique se déroulent dans un présent continu, sous les yeux du spectateur, et sans l’intermédiaire d’un narrateur d’aucune sorte .

Bien qu’il soit courant de traiter les termes drame et théâtre comme des synonymes, de nombreux spécialistes pointent certaines différences :

• Drame : Il se réfère spécifiquement à la partie écrite de cet art, c’est-à-dire à un genre littéraire, il est donc le produit d’un dramaturge.
• Théâtre : implique la partie jouée, c’est-à-dire un art scénique en soi. C’est-à-dire que c’est le travail d’un metteur en scène de théâtre.

Pourtant, les deux aspects sont liés et indissociables lorsqu’on pense à ce type de représentation artistique.

Le genre dramatique trouve ses origines dans l’Antiquité grecque , plus précisément dans le culte de Dionysos , dieu du vin et de la joie, dont les célébrations consistaient en le chant d’hymnes et, plus tard, la représentation de scènes mythologiques.

Le théâtre est devenu un élément fondamental de l’ éducation civique grecque , et ses grands dramaturges tels que Thespis (vers 550-500 avant J.-C.), Eschyle (vers 526-vers 455 avant J.-C.), Sophocle (496- 406 avant J.-C.) et Euripide (vers 484-406 av. J.-C.) se sont inspirés des personnages et des anecdotes de leur tradition religieuse, pour construire une œuvre vaste et profonde qui subsiste encore largement.

Plus tard, le drame fut hérité de Rome, dont les grands adeptes du genre furent Plaute (254-184 avant J.-C.), Térence (185-159 avant J.-C.) et Sénèque (4 avant J.-C.-65 après J.-C.). Après une interruption importante au cours du Moyen Âge chrétien , la tradition théâtrale reprend en Europe aux XIe et XIIe siècles, au cours desquels la comédie écrite en latin et la mise en scène de passages de l’évangile chrétien refont surface.

La première pièce écrite entièrement en espagnol fut l’« Auto de los Reyes Magos », une pièce anonyme écrite au XIIIe siècle, dont environ 147 vers sont conservés.

Voir aussi: Dramaturgie

Caractéristiques du genre dramatique

Le genre dramatique se caractérise par ce qui suit :

• Les Grecs de l’Antiquité appelaient toutes les formes de jeu d’acteur « drame » , quel que soit son contenu . Son équivalent actuel serait « théâtre ». Il ne faut pas confondre cette utilisation du terme avec ce que nous comprenons aujourd’hui comme « dramatique », c’est-à-dire lié à la tragédie et à la souffrance émotionnelle.
• Bien qu’il ait un texte littéraire de base , il est fondamentalement conçu pour la mise en scène , c’est-à-dire pour être joué sur scène. Pour cette raison, le texte dramaturgique a des indications et des repères pour guider la représentation, bien que celle-ci soit laissée à l’interprétation du metteur en scène de la pièce.
• Il représente un ensemble d’actions qui font partie d’une histoire, mais contrairement au récit , il le fait dans le présent immédiat, c’est-à-dire qu’il fait bouger les choses devant le spectateur , et manque normalement de toutes sortes de narrateurs.
• Le genre dramatique combine l’art littéraire et l’art du spectacle , et est considéré comme l’un des genres artistiques les plus puissants de la tradition occidentale.

sous-genres dramatiques

Il y a eu, tout au long de l’histoire , de nombreuses manières de classer et de subdiviser le genre dramatique, certaines typiques de leur époque d’origine, comme celles proposées par Aristote (384-322 av. J.-C.) dans sa Poétique , et d’autres bien plus tard. l’évolution du théâtre au cours des siècles.

Actuellement, on considère qu’il existe sept grands genres dramatiques, différenciés entre réalistes (attachés au plausible) et non réalistes (dont les licences sont prises contre la réalité), et ce sont :

• La tragédie . Genre réaliste, avec une longue tradition en Occident, qui se consacre à raconter la chute de personnages illustres, pour émouvoir le public de leur souffrance. Un exemple clair de ceci est les tragédies grecques classiques, comme Oedipus Rex de Sophocle.
• La comédie . Genre réaliste, pendant de la tragédie, puisqu’il traite de personnages vulgaires, communs et actuels, représentés par le ridicule ou l’exagération de leurs traits, émouvant les spectateurs au rire ou à la sympathie. Cela se produit à partir d’une identification avec le personnage qui, dans de nombreux cas, peut indiquer un arrière-plan moraliste, car il cherche à laisser une sorte d’enseignement. Un parfait exemple de comédie sont les pièces du Français Molière (1622-1673), comme El tartufo ou El avare .
• Le morceau . Genre réaliste, caractérisé par la soumission de personnages ordinaires à des situations complexes et à des expériences extrêmes, qui ne provoquent cependant pas nécessairement une transformation dans le forum interne du personnage. Un exemple de ceci est A Doll’s House du scandinave Henrik Ibsen (1828-1906).
• La tragi -comédie . Genre réaliste, de protagonistes archétypaux voire stéréotypés, qui tout au long de l’œuvre poursuivent une sorte d’idéal : le succès, l’amour, etc. Comme son nom l’indique, il réunit des éléments tragiques et comiques dans une anecdote complexe, qui laisse également place au sarcasme et à la parodie. Un exemple en est La tragi-comédie de Calisto y Melibea de Fernando de Rojas (vers 1470-1541).
• Le mélodrame . Genre non réaliste, qui raconte des anecdotes complexes mettant en vedette des personnages dotés de réactions émotionnelles exagérées, et accompagnés de musique et d’autres « effets » théâtraux cherchant une réponse émotionnelle superficielle chez le spectateur. Depuis le XVIIe siècle, il existe principalement en tant que genre d’opéra, puis plus tard à la radio, au cinéma et à la télévision. Un bon exemple en est Pagliacci (1857-1919) de Ruggero Leoncavallo ou Madame Butterfly (1858-1924) de Giacomo Puccini.
• Le travail didactique . Genre non réaliste, présenté au public sous la forme d’une réflexion ou d’un syllogisme , et qui part en quête d’ enseignement ou d’apprentissage , à travers des personnages simples et une anecdote complexe. Un parfait exemple en est The Caucasian Chalk Circle de l’Allemand Bertolt Brecht (1898-1956).
• La farce . Genre non réaliste, qui utilise des éléments de n’importe quel autre genre dramatique, pour entraîner ses personnages dans des situations caricaturales ou symboliques, fonctionnant souvent comme une parodie. D’un certain point de vue, ce n’est pas un genre en soi, mais un procédé de réappropriation des autres. Un exemple de farce est En attendant Godot de Samuel Beckett (1906-1989).

A ces sept genres s’ajoutent un nombre variable de sous-genres mineurs, considérés comme des tendances transitoires ou ponctuelles dans l’histoire du genre, comme le théâtre de l’absurde, le théâtre de la cruauté, le théâtre existentialiste, etc.

Éléments du genre dramatique

Le genre dramatique se compose de différents éléments, tant pour son écriture que pour sa mise en scène :

• L’action . Ensemble d’actions et d’échanges qui ont lieu sur scène lors de l’exécution de l’œuvre, et qui ne sont pas nécessairement tous envisagés dans le texte écrit. En général, l’action constitue l’intrigue de l’œuvre, c’est-à-dire l’histoire qui se déroule sous nos yeux.
• La spatialité . La scène ou le lieu fictif où se déroule l’œuvre, représentée par des éléments scéniques réels (décors, instruments, etc.) ou imaginaires (ceux que l’on fait « apparaître » à travers la performance).
• La temporalité . Deux formes de temps très différentes coïncident dans l’œuvre , qui sont le temps de l’œuvre, c’est-à-dire le temps couvert par le déroulement de l’action et qui peut être des minutes, des semaines, des mois ou des années, selon l’anecdote racontée ; et le temps de la représentation, qui est le temps réel qu’il faut pour raconter l’histoire, c’est-à-dire la durée du spectacle, généralement entre une et trois heures.
• Les personnages . Chaque acteur sur scène incarne un personnage de l’anecdote, selon ce qui est envisagé dans le scénario. Les personnages peuvent être des personnages principaux ou secondaires, et peuvent être présentés au public accompagnés ou non de costumes. Dans la Grèce antique, les acteurs portaient des masques qui indiquaient clairement quel personnage ils jouaient.
• Le conflit . Dans toute œuvre dramatique, il y a un conflit qui est à l’origine de la tension du récit, c’est-à-dire qui génère du suspense et l’envie de continuer à regarder l’œuvre (ou de continuer à la lire). Ce conflit naît de la volonté du protagoniste et de sa rencontre avec la réalité du reste des personnages, c’est-à-dire lorsque deux ou plusieurs visions du monde se font face dans l’intrigue.

structure du drame

Les œuvres dramatiques peuvent varier en structure , mais sont généralement structurées :

• Actes: Ce sont de grandes unités dans lesquelles l’œuvre est segmentée, séparées les unes des autres par une pause (entracte) représentée par un abaissement du rideau, un mécanisme sombre ou similaire.
• Scènes : Ce sont les unités dans lesquelles chaque acte est divisé, et qui correspondent à la présence sur scène de certains personnages ou éléments, c’est-à-dire qu’elles sont déterminées par l’entrée ou la sortie des acteurs sur scène.

Une pièce peut avoir 2, 3, 5 ou même 7 actes ou plus, et chacun d’eux un nombre différent de scènes.

D’autre part, parlant en termes narratifs, une pièce est divisée, selon la vision aristotélicienne classique, en trois segments clairement différenciés : début, développement et fin.

• Au début , cela correspond à la présentation des personnages et du conflit, généralement à partir de positions opposées qui sont proposées au public.
• Le développement correspond à la complication de l’ intrigue , conduisant les personnages à l’affrontement décisif ou à la situation limite, là où l’histoire atteint son point de tension maximum.
• La résolution correspond à la résolution du conflit et à la présentation d’un nouvel ordre des choses, qui résout les tensions et assure la fin de l’œuvre.

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